Tableros de Visión y Diarios: dos herramientas visuales que puedes empezar a usar ya.

En el Episodio 13 de Mi Naturalismo Podcast, quise hablar sobre los Tableros de Visión o Vision Boards en inglés, y los diarios. Ambas formas de expresión han estado conmigo en muchas etapas de mi vida y significan un espacio de autoconocimiento, reflexión, planificación y sobre todo una forma de ordenar los pensamientos y ayudarlos a fluir desde la cabeza a la acción o simplemente dejarlos ir en el papel.

Los tableros de visión se han puesto bastante de moda en la última década de la mano del coaching y otras disciplinas de crecimiento personal que utilizan esta herramienta para ayudar a las personas a visualizar de forma concreta sus ideas, sueños, deseos, objetivos y planes. Quizás para muchos pueden sonar algo cursi o hasta inútil, pero para mí, que soy una persona muy visual, son fundamentales.

Por otro lado los diarios – de vida, de artista, libros personales, diarios de naturaleza, de colores, etc.- también han sido centrales desde que tenía tan sólo 6 años. Estaba recién aprendiendo a escribir y recibí mi primer diario de vida con candado, uno muy tierno de la popular Rainbow Brite, que era una de mis caricaturas favoritas en los años 80’s.

¿Qué son y qué puedes hacer con los tableros de visión y los diarios?

Muchas, muchas cosas. Vamos a ver:

A) Tableros de Visión

Son un conjunto de imágenes y palabras (aunque pueden no tener ningún tipo de texto) recolectadas desde revistas, recortes varios, objetos significativos, dibujos, trozos de materiales, etc. que dispones en un plano (cartón, cartulina, diario mural, etc.) y que puede ser hasta digital. Cada tablero debe tener un tema e ilustrar por ejemplo, unos objetivos concretos que quieras lograr, como por ejemplo:

  • El estilo de vida que quiero crear
  • El trabajo ideal que quiero para mí
  • Mi casa soñada o cómo quiero que se vea mi casa
  • Mi próximo viaje
  • Cosas que quiero para mi familia, etc.

Para hacerlo, necesitas:

  • revistas, postales, fotos, libros viejos
  • un trozo de cartón, cartulina u otro,
  • tijeras,
  • pegamento o pins (si es que vas a usar un corcho por ejemplo),
  • frases y conceptos que ilustren tu plan o idea.

Con los elementos seleccionados, arma una composición sobre tu soporte. Una vez que está todo en su lugar, lo pegas o afirmas y voilá, tienes tu tablero. Lo entretenido es ubicarlo en un lugar donde puedas verlo muy seguido, como el espacio donde trabajas, tu velador, el refrigerador o cualquier lugar donde pases el tiempo suficiente para que los objetivos y planes que ilustraste en el tablero se hagan presentes día a día y como consecuencia, todas tus acciones y decisiones se orienten a esos resultados. Deja pasar un tiempo prudente, como 6 meses o un año, y al final de ese tiempo revisa si notaste cambios y si te acercaste a tu objetivo o lo lograste. Con el paso del tiempo es lógico que tus objetivos vayan evolucionando o cambiando, así como tus gustos y prioridades, por lo tanto el tablero también cambiará (nada está escrito en piedra!). Pero es una buena herramienta para mantener frente a tus ojos tus objetivos y sueños más importantes, y por último, el rato que pases haciéndolo es súper relajante y divertido, además de ayudar a aclarar qué estás buscando.

B) Diario

Los diarios son más complejos que los tableros porque son una herramienta que usas por un tiempo prolongado, y que vas revisando y llenando constantemente.

Como es un concepto muy amplio, sugiero decidir antes de empezar a qué tema vas a dedicar tu nuevo diario. Además, hay un proceso muy lindo al momento de elegir cuál será el soporte: puede que encuentres uno que te encante en una tienda o algún emprendimiento pequeño o también puede ser hecho por ti. ¡Todos son igual de valiosos!

Para considerar al empezar:

  • ¿Qué tan seguido vas a usar tu diario? desde todos los días, a alguna hora específica hasta una vez al mes, semanalmente…eso lo decides tú. Y si lo dejas reposando por un tiempo, no importa: la idea es que lo retomes y sigas llenando cuando sientas el deseo de hacerlo, y que no sea un trabajo más (de eso ya tenemos bastante!!!).
  • Qué vas a abordar en él: tu día a día, puede ser un espacio de auto conocimiento, de gratitud, de estudiar algún tema, de registrar la naturaleza, algún viaje, unas vacaciones, un proceso de trabajo, un proceso como la maternidad, el divorcio, un doctorado, un nuevo negocio, una nueva idea artística, los colores que ves, pájaros, flores prensadas, reflexiones, etc. ¡Los temas son infinitos!

Lo que más valoro de estos dos espacios de creación es la potente capacidad que tienen para enfocarnos, y además la gran libertad que significan, pues son PRIVADOS. Aquí no tienes que explicarle ni pedir permiso a nadie para escribir, para declarar, para crear o lo que sea. Y eso en este mundo, ¡NO TIENE PRECIO!

A continuación, te dejo imágenes con diarios antiguos para que los mires y te inspires. ¡Pero prométeme que no se los mostrarás a nadie!

Un gran abrazo!!!

Link: mi tablero de diarios en Pinterest

Diarios de distintos momentos

Diario de Artista

Diario de Artista

Diario de Artista: Polinesia y Pigmentos

diario de Artista: Polinesia y Pigmentos

Diario de Viaje, Inglaterra 2001

Diario de Viaje, Inglaterra 2001

Bienvenida al equipo, Ger.

Hoy quiero dedicarle un espacio en este blog a una nueva artista del team GMK-Mi Naturalismo: Ger.

Ger es una integrante de mi equipo interior que hace mucho tiempo no encontraba un trabajo que le gustara hacer. A ella le encanta la naturaleza, ama las plantas pero también adora el diseño, el branding, las gráficas de las revistas más edgy, y sobre todo Internet. Ella empezó con sus primeros blogs en el año 2003, cuando el blog era un concepto nuevo y desconocido. Ger andaba con su cámara por la ciudad buscando imágenes kitsch, vistiéndose con ropa kauai y haciendo autorretratos y dibujos con marcadores. También pintó vírgenes celestes, rosadas y con estampados de vaca hace muchos muchos años.

La ilustración botánica tradicional, que Ger admira mucho, tomó protagonismo en su vida por más de 10 años, lo que la mantuvo al servicio del desarrollo de estas habilidades por mucho tiempo. Hoy, Ger descubrió que puede tener un espacio en la esfera creativa pública y sabe que no hay vuelta atrás: va a crear, mostrar, traspasará límites y hará propuestas diferentes, buscando su propio lenguaje botánico no binario e híbrido, donde el latín pasa al quinto plano.

Le damos la bienvenida a Ger y te invito a seguirla en su instagram: @ger_plantart

Ger le agradece a Mi Naturalismo Podcast por haberle dado la oportunidad de iniciar esta aventura. Podrás encontrar las propuestas más avanzadas de Ger en su página de Patreon.

Le deseamos lo mejor a Ger en esta nueva etapa y esperamos verte junto a ella!

Podcast, episodio 5: Naturalismo aquí y ahora.

A pesar de todo lo que estamos viviendo, que no está siendo fácil para nadie, afuera las estaciones siguen su curso de siempre, y las plantas siguen cambiando y transformándose como cada año.

Por eso, en este episodio del podcast quiero darte algunas ideas para que puedas disfrutar de la variedad de modelos botánicos que esta temporada nos trae, estés donde estés. Hacer un registro de las plantas que te rodean puede ser todo un descubrimiento: no necesitas viajar a lugares exóticos (esto me lo estoy diciendo a mí misma!!!) para hacer naturalismo. Recuerda ejercitar muchísimo el dibujo, que es la base fundamental de la ilustración botánica. Si quieres compartir tus registros con nuestra comunidad, usa el hashtag #minaturalismo o #minaturalismodiario

¿No tienes ideas? Escucha el podcast en Spotify o en el recuadro más abajo.

Foto: Curso Bordado Botánico danamay.art@gmail.com / cortesía Lemu

Los dos emprendimientos / datos que compartimos en este episodio son:

Curso de Bordado Botánico en línea por Lemu – Dana May.

La artista visual y profesora Dana May está ofreciendo a través de su plataforma Lemu, un hermoso curso en línea de Bordado Botánico muy completo que dura 3 meses y medio y estoy segura será una maravilla. Para el curso, puedes hasta comprar un bello kit de materiales que Dana May tiene para los estudiantes que lo requieran. Para saber más y recibir el PDF con la información, escribe a danamay.art@gmail.com o busca en Instagram @__lemu

Naipes de flora y fauna nativa

Un grupo de 4 amigos que se conocieron a través del Curso de Ilustración Botánica de Campo de PhytaLab en la Senda Darwin, decidieron crear un mazo de naipes con ilustraciones de flora y fauna chilena. Cheo Tam, Consuelo Pivcevic, Sofía Torres y Javiera Mendez son los autores de este lindo juego.

Para comprarlo, escríbele a Cheo a cytam@uc.cl o contáctalos en cualquiera de estas cuentas de Instagram:

@ladispersiondelcheo @javieramendezc @tallermatizpapel @sofia_tf

Foto cortesía de Cheo Tam

Este podcast es producido por Corgi Audio

¿Tienes una mentora o mentor que te haya inspirado?

Yo sí, y la verdad es que cuando miro hacia atrás, me doy cuenta de que si no hubiera trabajado con ella hace muchos años atrás, jamás habría conocido la ilustración naturalista y no habría vivido nada de lo que he pasado en la última década. La vida es así, te lleva por caminos bien insospechados, donde una cree que va para un lugar pero en realidad termina en otro, y las cosas se van sucediendo una tras otra, hasta que ya podemos saber qué está pasando y tomar el control de los acontecimientos, más o menos.

En terreno, enero 2020.

Mi tía Sonia Haoa Cardinali es rapanui y desde muy joven se ha dedicado a la investigación arqueológica. Lleva unos 40 años al menos, trabajando en desentrañar muchos aspectos de su cultura y se ha enfocado muy fuertemente en cómo el ser humano se adapta y sobrevive en las condiciones más hostiles con los materiales que dispone en su medio ambiente. Hace muchos años atrás colaboró con el famoso e intrépido investigador noruego Thor Heyerdahl, quien fue el primero en poner a Rapa Nui en la brújula de los investigadores con teorías elaboradas en su primer libro sobre los navegantes del Pacífico “Kon Tiki”. Desde entonces Sonia nunca más ha dejado la investigación y se ha dedicado 100% a la arqueología, trabajando con científicos de todo el mundo. El año pasado, la universidad sueca de Upsala reconoció su gran trayectoria nombrándola Doctora Honoris Causa entre muchos otros grandes académicos de diversas áreas del conocimiento.

Junto a Thor Heyerdahl, cuando Sonia encontró el único ojo de moai del que se tiene registro. Foto del archivo personal de S. Haoa PhD.

Cuando me fui a Isla de Pascua el 2006 iba con la idea de entrar a trabajar a su oficina de arqueología, pero tuve que esperar casi un año para que el puesto que tomé se desocupara y por lo tanto en ese primer año fui mesera en varios restoranes, trabajé sirviendo desayunos a charters de turistas y tuve una pequeña tienda con una prima. Hasta que al fin, pude entrar a trabajar a Rani Arqueología como fotógrafa en terreno de una prospección arqueológica.
De mi tía Sonia he aprendido la disciplina, la paciencia, el amor por las piedras, las plantas y el silencio. Gracias al tiempo que pasé trabajando en su equipo aprendí arqueología en terreno: empecé viendo los lugares como “botaderos” de piedras, hasta que fui capaz de leer el paisaje y ver las pequeñas aldeas y casas por todas partes. Era como estar en el pasado y pude entender cómo vivieron los rapanui antes de la llegada de los europeos.

De nuestra última salida a terreno, enero 2020.

Ella es una persona que te empuja a trabajar, a encontrar tu propio camino y jamás da consejos que no has pedido. Es una mujer que se abrió camino desde muy joven en una profesión extremadamente machista, donde ser mujer nunca le hizo fácil sus proyectos. Pero desde que la conozco, está rodeada de los investigadores más increíbles del mundo, que recurren a ella para saber más de la cultura oceánica.
Ahora estoy muy feliz de volver a colaborar en su proyecto más importante, que sé que tendrá un gran impacto positivo en su comunidad y en todos los lugares que viven del océano. Sonia es una mujer visionaria, que entiende su herencia cultural mucho más allá del moai, y aunque eso moleste a muchos, ella siempre ha seguido adelante con sus planteamientos de manera seria y profesional.
Sonia Haoa es mi mentora, como una tía-madre que me mostró el mundo de la ciencia en terreno, las aventuras arqueológicas y el dibujo científico. Un dato: mi primer dibujo científico fue el interior de una cueva, que tuve que medir y registrar junto a una arqueóloga durante una semana. Todo el día bajo tierra, con luces y agachadas, medimos palmo por palmo toda la caverna, fotografiamos e hice un dibujo de cada uno de los muros sobre papel milimetrado. ¡Nunca se me va a olvidar!
Y tú, ¿has tenido alguna mentora, maestra o maestro que haya marcado positivamente un aspecto de tu vida? ¡Cuéntame tu experiencia!
Aquí te dejo links a dos trabajos que hice en Rapa Nui hace 12 años atrás:

5 tips para recuperar la creatividad cuando está perdida

Ser artista o trabajar creando (ya sea en diseño, música, escritura, ilustración, etc.) no siempre es fácil. La inspiración o las ganas de hacer lo que hacemos muchas veces se van de nuestro lado pues el agobio de las tareas de la casa, las dificultades en el trabajo, problemas familiares, el clima, las noticias negativas que vemos en Internet o la Tv, pasar por un taco enorme, discutir con alguien en la calle, pueden hacer que nuestra creatividad e inspiración se vayan a dar una vuelta a otro lado.
Es terrible: estás obligada a producir algo y no puedes.
Esto me ha pasado millones de veces a lo largo de mi vida. Muchas veces he querido escribir, pintar, hacer una ilustración diferente, idear un gran proyecto o simplemente sentarme a redactar un texto para mi página web, y me siento absolutamente trancada. Como si tuviera un tapón en la parte del cerebro que me lanza las ideas y las ganas de hacer.
Por eso, pensé en 5 cosas que todos podemos hacer para revitalizar la creatividad y así evitar el sufrimiento innecesario.
En el video podrás ver además varios libros buenísimos que pueden ayudarte mucho a mantenerte estimulada, tienes que verlos!!! (van fotos en el artículo también)

 

Tomarse una mañana o tarde para hacer algo distinto. Romper la rutina es clave. En mi caso, si no lo hago por mucho tiempo siento que me empiezo a oxidar y la creatividad no fluye. ¿Qué hago? Voy a caminar a algún barrio entretenido, visito una librería, me junto con alguna amiga entusiasta o hago mi jardín. Despejar la mente, salir del lugar donde trabajas siempre es súper positivo y ayuda a refrescar a nuestro sobrecargado cerebro.

 

Mirar tus libros. Los libros son un antídoto para muchas cosas. Libros visuales que aporten ideas, novelas, libros informativos y hasta alguno de autoayuda pueden ayudarte a salir del bloqueo y sobre todo a apaciguar la mente. Además, por algo te los compraste!

Aquí te dejo dos de los libros que reviso en el episodio 10 de Mi Naturalismo TV

En Amazon: https://www.amazon.com/dp/0761193774/

En Amazon: https://www.amazon.com/dp/0525534997/ref=cm_sw_em_r_mt_dp_U_NC8KDbBSB3S32

En este link https://amzn.to/2nAAzeh puedes ver listas de los libros que me gustan de Amazon. Es una página afiliada, así que si llegaras a comprar alguno, me llegarían un par de centavos a una cuenta tipop Gift card, que me permitiría comprar algún otro libro en el futuro.

Hacer algún trabajo manual diferente, sin presiones y que sea muy distinto a lo tuyo. En mi caso, tengo un cuaderno para collage donde hago composiciones con figuras que recorto de enciclopedias viejas. A veces también hago simplemente manchas y figuras con acuarela, y prenso plantas. Hace un tiempo incursioné en la cerámica que fue un gran catalizador de mi bloqueo con la ilustración botánica.

 

Ordenar tu espacio de trabajo y cambiar un poco el orden de las cosas. A veces llego a mi taller y aunque me encanta, no puedo hacer nada. Miro la pantalla, miro la mesa y simplemente no fluyen mis ganas de trabajar. Por eso me arremango la camisa, agarro mi escoba y dejo todo impecable y le doy un par de toques finales entretenidos (como flores del patio o algún cambio en la decoración) y me siento mejor para volver a crear.

 

Libérate de la culpa de no estar trabajando. La culpa, es la enemiga de la libertad y lo único que logras es perder tiempo. Descansar, hacer algo distinto, dar una vuelta, irse a un café o cualquier cosa que hagas para recuperar tu creatividad es mejor que quedarte encerrada sufriendo porque no puedes trabajar.

Esos son mis 5 tips para lidiar con la falta de creatividad o los días poco inspiradores. ¿Qué haces tú cuando estás en esta situación?

Cuéntame de tus trucos o métodos para ponerte “en onda” incluso en los días más complicados.

 

Volver a Rapa Nui

Esta semana estoy muy feliz por una sencilla razón: al fin podré mostrar un poco más de lo que fue mi último viaje a Isla de Pascua. Fueron 8 días de emociones y sobre todo, de reencontrarme con un lugar tremendamente importante para mí en muchos aspectos. Tantos amigos, familia, recuerdos y más aún, la pasión por la naturaleza y las plantas me estaban esperando para contactarlos nuevamente, después de 11 largos años de ausencia.

Hoy, la puerta está abierta de par en par, lista para nuevas aventuras. Hay muchas historias nuevas que escribir, muchas plantas que dibujar y muchas conversaciones por tener. La vida es así: todo tiene su momento, los acontecimientos se desenvuelven tal como tiene que ser. Estoy agradecida de este nuevo ciclo que comienza, con mis pies bien conectados a sus raíces y a lo que realmente me apasiona.

 

Sonia Haoa Rapa Nui toromiro

Quiero agradecer con mucho cariño a mi tía y mentora Sonia Haoa Cardinali, PhD Honoris Causa Uppsala Universitet, quien me mostró el camino de las plantas, de la arqueología, la contemplación del paisaje y sobre todo, la paciencia y la fuerza para seguir el camino propio a pesar de cualquier circunstancia u opinión ajena. Una mujer inspiradora, con quien tengo el honor de volver a trabajar después de mucho tiempo. ¡Gracias!

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Un gran abrazo, maururu!!!

Agradecimientos especiales:

  • A Color Animal y Jorge Urzúa, por donar hermosos materiales para mis estudiantes de Rapa Nui.
  • A mi querida Waitiare Kaltenegger Icka @wai.kiahio , gran cineasta rapanui, por hacer las bellas imágenes para este episodio.

Investigando helechos en Rapa Nui, foto por Waitiare K.

 

Tulipanes: breve historia y varias razones para amarlos.

tulip Geraldine MacKinnon Mi Naturalismo

Los tulipanes son muy bonitos, a poca gente no le gustan. Están disponibles en muchos lugares del mundo por lo famosos que son. Son sencillos pero muy graciosos y tienen muchas formas distintas. Veamos algunos tulipanes silvestres:

pradera tulipanes Mi Naturalismo

Una pradera de tulipanes silvestres.

Tulipanes silvestres de montaña.

Tulipanes silvestres de montaña.

Los tulipanes se originaron en el sur de Europa y Asia central. En el imperio Turco-Otomano se cultivaron desde el siglo X y eran la flor nacional. Estaba prohibido exportarlos, pero un europeo lo hizo a escondidas y los llevó a Austria, donde no causaron mayor impacto. Pero los holandeses se enamoraron profundamente. Fue tanto que los transaban en la bolsa y se hizo una burbuja hortícola y casi quiebra toda Holanda. Fue en pocos años. Y los holandeses son los mayores granjeros de tulipanes del mundo. Se pueden ver en las ciudades europeas en primavera, y llenan todo con sus colores encendidos.

Típico campo de tulipanes en holanda.

Fueron los grandes protagonistas de manuscritos medievales, de los primeros libros de ilustración botánica en el mundo occidental y también en Oriente. Eran dotes y regalos en matrimonios, altamente codiciados, traficados, robados, pintados, coleccionados, todo. Por eso, son flores que tienen una historia noble y lo transmiten; ya están impregnados de la cultura que los rodea.

 

Las Tulipa son flores muy bonitas e interesantes, sobre todo las silvestres que sobreviven en las praderas y montañas. Son flores que hacen eco del lugar antiguo e histórico del que provienen. Han pasado por guerras y un montón de sucesos…es imposible que no tengan eso en su memoria!

Nota: todas las fotos que no son mías vienen de mi cuenta de Pinterest donde puedes verlas e investigar.

tulipán dibujo grafito Mi Naturalismo botánica flores

“Qué podemos aprender de la maravillosa ilustración botánica japonesa”

La cultura visual de oriente llega a nosotros en muchas formas y a través de muchos canales. Mis primeros recuerdos de arte de países orientales se remontan a los restoranes chinos que visitaba con mis padres. Siempre me impresionaron los colores vívidos, las formas, y todas las representaciones de animales, personas y plantas.

“Double Dragon”, Geraldine MacKinnon 2003

Japón es un caso especial para mí. Como muchos de ustedes probablemente, crecí viendo dibujos animados japoneses. Aunque no tienen una relación directa con la ilustración de plantas o la historia del arte botánico, hay estéticas comunes que se transmiten a través de todas las imágenes que produce una cultura. La cultura japonesa sin duda tiene esa cualidad en que todo lo que hace está fuertemente marcado por su idiosincrasia, historia, herencia cultural, filosofías y estética. Su arte es muy reconocible, y encierra siglos de ejercicio, observación, oficio, conocimiento y sobre todo: poesía.
Una película de animación japonesa contemporánea que da cuenta de esta estética y filosofía es “El cuento de la Princesa Kaguya”, dirigida por Isao Takahata, de Studio Ghibli. (2013)
“The tale of Princess Kaguya”, Studio Ghibli 2013.

La ilustración botánica en Japón, ¿es diferente?

Vamos a comparar dos ilustraciones de Caladium, planta de la familia de las Aráceas (como las Calas y el Manto de Eva). La primera, es una xilografía de Chigusa Soun, artista japonés, de alrededor de 1900. La segunda, es una ilustración de la misma planta, pero hecha en occidente por algún ilustrador botánico europeo (no determinado). Si comparamos ambas visiones, saltan a la vista las diferencias entre una forma de ver y la otra. La primera imagen, interpreta a la planta en el espacio, ocupando un lugar en el mundo. Aunque no utiliza la perspectiva como la conocemos en occidente, nos transmite esa sensación de atmósfera, calma, y el movimiento de la planta. El encuadre es muy osado y aun así logra mostrarnos cómo es el Caladium. En la segunda, tenemos la visión occidental científica, que nos quiere dar la mayor cantidad de información en el espacio que el rectángulo del cuadro puede contener.
                                           

Encuadres y composición.

El uso del espacio y la composición son muy característicos de las ilustraciones botánicas japonesas. En este libro, vemos cómo la imagen horizontal se toma dos páginas completas, pero respetando los márgenes establecidos. Aquí el cerebro del observador es el que une ambas imágenes formando el total. Al mismo tiempo, las dos pinturas visualmente pueden funcionar por separado. Esta libertad generalmente no la vemos en la ilustración botánica tradicional de Occidente.
                      

Japón y el naturalismo científico europeo.

En tiempos del apogeo del naturalismo científico en Occidente, cuando los barcos surcaban los océanos buscando tierras inexploradas y recursos naturales en países desconocidos, en el encuentro de Japón y Europa se produce inevitablemente, un intercambio de miradas. Artistas japoneses se dedican a ilustrar sus plantas para registrarlas y hacer un inventario de las especies que los rodean, sin embargo, no adoptan totalmente el estilo científico que traen los extranjeros. Ellos adaptan la mirada científica y la mezclan con la visión poética, donde las emociones no son dejadas de lado. El significado de “objetividad” no debe ser lo mismo en ambas culturas. En la cultura japonesa, el arte botánico no intenta desprenderse del espíritu del autor ni eliminar la mano del artista en pos de una representación “verdadera”.
Esto, ¿hace a este tipo de ilustración menos valiosa? ¿cuál es el criterio y quién lo decide?
Iris azul, de Kawahara Keiga (1786 – 1860?).
Kan’en Iwasaki, 1786-186?. Botánico, zoólogo y entomólogo japonés.
Amapola y Claveles.

El oficio, el artista y las motivaciones.

Personalmente, pienso que como ilustradores naturalistas debemos estudiar formas de representación de las plantas y el mundo de otras culturas, tiempos y pueblos. Al mantener en nuestras mentes una idea única, un “deber ser” de la ilustración de naturaleza, estamos perdiendo la oportunidad de crear nuevos lenguajes. ¿Por qué no sumar aspectos emocionales o poéticos a lo que observamos? ¿Por qué debemos restringirnos a las normas impuestas por una de las culturas que pueblan nuestro mundo? Crear expresiones nuevas es difícil. Japón no llegó a su arte en 200 años, si no en varios siglos más.
Además de la visión del mundo y la naturaleza que se plasma en estas pinturas y xilografías, está la bella ejecución. En Japón y las culturas asiáticas en general, el oficio y la disciplina son valores que se mantienen hasta el día de hoy. Los artesanos de la cerámica, del papel, de los textiles, de la madera, etc., se dedican a perfeccionar sus oficios durante toda la vida. El tiempo, la paciencia y la dedicación son claves para lograr la maestría, además de la humildad para comprender que siempre podemos aprender y seguir mejorando. Honrando al oficio y dándole el lugar que corresponde en nuestras vidas, podemos llegar a ser maestros.
Kobayashi Kokei (1883 – 1957) Althaea rosea, Malva.
Esto es muy difícil en el mundo actual. Tenemos miles de tareas, relaciones y estímulos que nos sacan de la práctica constante del oficio. El tiempo se hace escaso y la vida nos demanda mucha atención. Por eso, siempre mantengo esta idea en mente: intento dibujar al menos una cosa, por muy pequeña que sea, al día. No ha sido fácil en el último año, en que he decidido formar mi escuela online y llevar mi trabajo a un nivel mucho más complejo. Las tareas administrativas del día a día le roban mucho tiempo a mi arte. Pero he elegido no desesperarme: prefiero que cada vez que tengo la oportunidad de hacer un dibujo o pintar un par de colores, sea un placer. Pienso en los proyectos que tengo y los que quiero hacer. Compré un pequeño diario donde empezaré un nuevo desafío de pintura que pronto compartiré con todos. En fin, hay maneras de estar conectada con el oficio a pesar de no poder dedicarle todo el tiempo que quisiera.

Te presento a dos ilustradoras botánicas japonesas contemporáneas brillantes:

Akiko Enokido.

Un día que estábamos trabajando en Kaua’i, me acerqué a mirar a Akiko pintar. Le pregunté: “¿por qué los japoneses parecen tener un talento innato para la pintura, y aunque empiecen a hacerlo a una edad avanzada les sale maravillosamente?”- ella pensó un rato y luego me contestó: “en Japón, tenemos clases de caligrafía con pincel desde los 5 años de edad, y al menos 5 horas a la semana durante toda la escuela. Creo que eso hace que los pinceles y los trazos nos sean familiares, y por lo tanto aprendemos rápido a pintar cualquier cosa”. Esto es tan cierto! La práctica hace al maestro, y si a eso le agregamos que la cultura japonesa tiene una visión estética maravillosa que está fuertemente arraigada en su gente, el resultado no puede ser otro que belleza y maestría.

Akiko Enokido – Camelia japonica – acuarela sobre vellum.

Asuka Hishiki

Asuka es una pintora muy prolífica y creativa. Ella nos lleva más allá de la ilustración botánica científica y nos transporta a su mundo de observación, donde se fija en detalles insólitos, colores brillantes, frutas diferentes, insectos y formas poco usuales. Le gusta mucho pintar plantas comestibles y siempre elige modelos que otras personas dejarían de lado. Inventa fusiones entre plantas e insectos. Es una verdadera artista.
Estudió Artes Visuales y vive en Osaka, pero viaja permanentemente a residencias y exposiciones.
Un día en que íbamos en un auto varias ilustradoras en Kaua’i, le pregunté: “Asuka, ¿por qué haces tan poquitas clases? Apenas un par de talleres de dos días al año y unas semanas en la universidad. ¿A qué se debe?” Ella contestó: “Quiero mantener el estándar de mi arte lo más alto posible. No hago clases simplemente porque me quitaría demasiado tiempo y mi arte es mi prioridad absoluta”. Nada más que decir, pero sí me da para pensar. Sin duda tiene toda la razón: para llegar a la maestría y a sentir que la obra realmente progresa y crece, es necesario dedicarle mucho, mucho tiempo. Esto, para mí al menos, que hago muchas clases y cosas que necesito para poder mantenerme y aportar a mi familia, es muy difícil. Mientras más exigencias pone la vida, menos tiempo tengo. Pero este año me hice una promesa: Pintar o dibujar una vez al día, aunque sea por 10 minutos. No dejar de tener proyectos de ilustración y luchar para que las condiciones de trabajo mejoren y así pueda hacer lo que más disfruto, que es pintar.
Asuka Hishiki – “Kind-hearted monster, portrait of a heirloom tomato”.
Seamos más como los maestros japoneses: cultivemos el oficio porque no hay nada como lo hecho a mano.
Y tú, ¿qué piensas de todo esto? ¿Te has detenido a mirar a maestros de otras latitudes, lejos de Occidente? ¿Haces lo posible por cultivar tu oficio más allá de las circunstancias? ¡Cuéntame en los comentarios!
Links:
Escena de El Cuento de la Princesa Kaguya https://vimeo.com/182062047
Araucarias Nahuelbuta Mi Naturalismo Geraldine MacKinnon Naturaleza

Decálogo de Mi Naturalismo – Escuela Online de Ilustración Botánica.

Consejos prácticos para salir a dibujar y pintar en las vacaciones.

Hola a todos!

Ahora que estamos (bueno yo todavía no 🙂 de vacaciones, quiero compartir algunos tips para ir a dibujar al aire libre y aprovechar las largas horas de luz y los paisajes que visitamos en verano. Desde la plaza del barrio hasta un mega Parque Nacional, son lugares donde tomarse un tiempo para observar, dibujar y aprender de nuestras plantas dibujando y pintando.

Foto de registro para futura pintura Crinodendron hookeranium, Geraldine MacKinnon.

Kit de materiales básico:

– Libretas pequeñas para dibujar, ojalá que el papel sea grueso (sobre 180 gramos) para que resista un par de capas de agua.
– Lápiz grafito HB o portaminas para dibujar.
– Sacapuntas, goma, regla de 15 cm (es de mucha ayuda para poder dibujar correctamente la escala de tus plantas).
– Tijera para cortar flores: como he comentado en entradas anteriores, si estamos en un lugar donde existe flora nativa o endémica, no debemos extraer especímenes a menos que sea con un objetivo determinado, y cuidando que la población sea muy abundante. No debemos cortar flores ni arrancar plantas si la población es pequeña. En las guías de campo de Adriana Hoffmann existe un apartado sobre este tema. En caso de hacerlo, debemos usar una tijera limpia y con buen filo para dañar la planta lo menos posible. Los cortes con las manos son perjudiciales para la salud de las plantas.
– Pinceles para acuarela tipo sable, redondos, con punta. Este tipo de pinceles permite cargar mucha agua y pigmento y al mismo tiempo controlar las manchas y líneas.
– Lupa: las flores pequeñas son difíciles de observar. Una lupa nos abre el mundo y podemos ver miles de detalles y formas que se ocultan al ojo desnudo.
– Botella para agua y vaso pequeño para pintar: algunos colores de acuarela, como los cadmios, son tóxicos. Evita verter el agua usada en la naturaleza y llévala en la botella de vuelta a la casa.
– Alguna guía de campo del lugar: están las de Adriana Hoffmann, Paulina Riedemann, la guía de campo de Hongos de Fundación Fungi, y las guías de campo de la CORMA que puedes descargar gratis en PDF desde su sitio web. También está la Pequeña Guía de Campo de las Mariposas Chilenas, de fundación MICRA (entre otras).
– Cámara de fotos: celular, cámara chica, grande, iPad, tablet…cualquier dispositivo que saque fotos que sirva de registro para continuar tu trabajo en casa.

Mientras más portable, mejor.
Algunos tips para dibujar:
– Siéntate cómodamente (puedes llevar un pisito plegable, o usar un polerón, etc.) frente a tu modelo. Evita moverte mucho mientras dibujas para no alterar el ángulo de tu visión y no distorsionar la perspectiva. Usa un sombrero y bloqueador para no asarte!
– Mide con la reglita la parte de la planta que vas a dibujar, como si hubiera un vidrio sobre o delante de la planta (la parte más cercana a ti). De esta manera no distorsionarás las medidas.
-Empieza dibujando con formas sencillas -círculos, elipses, conos, cilindros, etc.- y poco a poco busca la forma natural.
Los lápices de colores también son una gran alternativa para llevar a terreno.


Para pintar: 
basta con una pequeña paleta de colores. En este caso, tenemos dos azules, dos amarillos y dos rojos. De esta manera puedes conseguir una gran gama de colores secundarios y terciarios.


Pequeños herbarios:
Es posible que encuentres elementos muy bonitos en tus salidas. Hay hojas, ramas, flores y miles de otros objetos que puedes montar en una libreta de herbario. Es un pequeño diario que puedes conservar por años y que también es una referencia para dibujos futuros.

Espero que estos tips sean de utilidad y ojalá veamos a muchas personas dibujando y pintando nuestras plantas este verano.