Los maravillosos e inesperados resultados del Curso Online Beta de Color para Ilustración Naturalista

«Ruedas Prosaicas» por Soledad Martínez. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018. Foto de la autora.

En muchos casos, la realidad supera las expectativas. Esto acaba de pasar, durante el Curso Online Beta de Color para Ilustración Naturalista. Lo que empezó como un experimento para probar el cambio de medio pedagógico -presencial/sala de clases a escuela virtual- está terminando como el inicio de una comunidad educativa participativa, intensa, dinámica y muy espontánea.
Debo decir que para mí este es un gran reto y tengo muchísimo que aprender. Como profesora, siempre me preocupo de mantener la calidad en mi trabajo, y que mis alumnos reciban las herramientas y conocimientos que fueron planteados en los objetivos iniciales de cada curso o taller.

Este curso, además de las tareas establecidas en el programa, tenía un desafío oculto en la segunda clase, que consistía en proponer ruedas de color o esquemas de color diferentes. Es decir, cada alumno debió crear una propuesta visual para explicar la teoría del color. Al principio la idea era hacerlo usando acuarela, que es el medio principal que usamos en las clases, pero finalmente derivó a propuestas mucho más creativas, algunas pintadas y otras no.

No pondré aquí todos los trabajos, porque son muchos y porque no todas las fotos les hacen justicia. Les dejo una selección muy variada, que nos da cuenta del background de cada persona, de sus gustos, etc. No importa tanto la ejecución en este caso: la creatividad es lo principal. La creatividad libre, es decir, sin márgenes, sin cajones, sin restricciones. Los límites los pone cada artista según su contexto e ideas.

Para mí, este curso ha sido una invitación a atreverme a hacer las cosas de una manera distinta, de plantear lo que sé desde ángulos nuevos. Aquí no buscamos el virtuosismo técnico: el objetivo es entender los conceptos, hacerlos propios y desde ahí crear.

Un gran abrazo a todos quienes confiaron en la Escuela Online de Ilustración Botánica en esta primera experiencia, ¡los valoro y aprecio muchísimo!

Propuesta usando rueda de color y pigmentos, por Tania González. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018. Fotos de la autora.

Rueda de color hecha con ovillos de lana, luego pintada. Beatriz del Canto Sepúlveda, Curso de Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018.

Una interpretación de la teoría del color donde se buscan las sombras de cada color, por Lily Portius Yáñez. Curso Color para Ilustración Naturalista, ocubre-noviembre 2018.
Rueda de color en lanas, por Carolina Mellado. Curso Color para Ilustración Naturalista, ocubre-noviembre 2018.

Rueda de color hecha con libros, Valentina Pantaleón. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre – noviembre 2018. 

Rueda de color bordada, por Soledad Martínez. Curso Color para Ilustración Naturalista, ocubre-noviembre 2018.

Rueda de color hecha con libros, y después pintada con acuarela, de Valentina Pantaleón. Curso Color para Ilustración Naturalista 2018.
Rueda de color inspirada en 7 plantas chilenas, por Natalia Venegas Monsalve. Acuarela. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018.

Rueda de color naturalista, por Esther Charles Jordán. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre – noviembre 2018.
Color explorando las posibilidades de las geometrías en axionométrica. Javiera Torres, Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018.

Rueda de color inspirada en el corte histológico de tejido vegetal del tallo de la quillineja (Luzuriaga marginata, del bosque templado). Por Alexandra Castañeda, Curso Color para Ilusración Naturalista octubre-noviembre 2018.


Rueda de color naturalista en progreso. Rosemary De La Cruz, Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre-noviembre 2018.

Tres peces para hacer una rueda de color, de María Lucero Arrese. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre – noviembre 2018.

Estudio de colores del jardín, por Adriana Basone. Curso Color para Ilustración Naturalista, octubre – noviembre 2018.


Mi primera experiencia enseñando a través de Internet.

Grupo de Facebook del primer Curso: Color para Ilustración Naturalista en Acuarela.

Hace mucho tiempo que no podía sentarme tranquila a escribir en el blog. Los meses de septiembre y octubre han sido una locura, llenos de cosas entretenidas que me han tenido muy ocupada y contenta también. Pero hoy quiero hablar de lo más interesante de este período, y que llegó para quedarse:
Al fin dimos el puntapié inicial a la Escuela Online de Ilustración Botánica, mi proyecto educativo más ambicioso del último tiempo, que venía ideando y planificando hace más o menos dos años.
Con todos los años de experiencia docente que tengo, experimentar en un formato nuevo es todo un desafío y también una necesidad. Las tecnologías, la nueva generación, los tiempos, las tendencias, me van guiando por caminos que antes no conocía, y donde no me imaginaba.
En este primer experimento, el Curso Online Beta de Color para Ilustración Naturalista en Acuarela, que reunió a 48 estudiantes de varias regiones de Chile, América y Europa, quise enseñar todos los conceptos y ejercicios necesarios para enfrentar el uso del color en acuarela de forma informada y con conocimientos sólidos.

En clases virtuales también se pasa bien!!!
Lo interesante de este primer acercamiento, es que decidí hacer las clases a través de Facebook Live, es decir, en tiempo real. Por lo tanto, las clases ocurren en vivo, con los estudiantes mirando y participando activamente de la conversación a través de comentarios y preguntas que voy contestando. Este formato permite una interacción real, donde los alumnos y yo nos sentimos en una clase como cualquier otra. El tiempo de cada clase es de una hora y media aproximadamente. Los estudiantes que por distintas razones no pueden ver la clase en vivo, pueden verla después, ya que quedan registradas en el muro del grupo del curso. Al final de cada clase, les asignamos una tarea que deben entregar dos días después, a través del e-mail escuela@gmackinnon.com.

Grupo para alumnos y ex-alumnos de la Escuela Online: El Patio.
Además, creamos un grupo llamado El Patio de la Escuela Online, que es donde los alumnos y ex-alumnos podrán permanecer conectados entre sí, con la Escuela y con novedades del mundo de la ilustración botánica. 
Esta nueva modalidad me da mucha ideas, y estoy más que segura de que llegó para quedarse. Disfruto mucho con el entusiasmo de los estudiantes y sobre todo con la posibilidad de acercar mi oficio a personas que viven muy lejos de aquí. Es realmente estimulante leer los comentarios y ver la dedicación que los estudiantes ponen en sus tareas cada semana.
Ahora estamos planificando el segundo curso, que tendrá lugar entre el 5 y el 14 de noviembre. Esta vez el tema será «Hojas en Grafito». 
Si quieres recibir la información de este y los cursos futuros, puedes inscribirte en este formulario https://goo.gl/forms/rBow19IlVBKrPF5l2 . También estaré difundiendo en mis redes y Newsletter.
Un gran abrazo y pronto escribiré más posts interesantes!

¡Colores, colores, colores! – Cosas que no aprendes en la Escuela de Arte.

En el último tiempo me han preguntado bastante por nuevos colores de acuarela para agregar a la paleta. Como ya saben, en general trabajo en base a colores primarios (rojo-amarillo-azul) que voy combinando para obtener diferentes familias y atmósferas de color.

La paleta primaria que uso, que tiene tres primarios cálidos y tres primarios fríos, la aprendí en mi estadía en Escocia hace años atrás. Antes de eso, mi aproximación al color era desde lo que había aprendido en la escuela de Arte, que no se adaptaba bien a la ilustración botánica en acuarela. También trabajaba por intuición, que me funcionaba mejor, pero todo cambió cuando tuve mayor control y conocimientos de color.

Para mí, el secreto de una paleta eficiente es tener muchos colores primarios diferentes -es decir azules, rojos y amarillos- y algunos secundarios que ayuden a potenciar los énfasis que los primarios no pueden lograr.

Las acuarelas que uso: siempre profesionales, y me fijo en que los colores estén compuestos por un solo pigmento, y que sean transparentes, semi transparentes o semi opacos. Hago lo posible por no usar pigmentos opacos. Esto puedes verlo en los tubos de acuarela o bien en las cartas de colores de las diferentes marcas:


(Foto sacada de Internet)

El mundo de los pigmentos es muy complejo, pero vale la pena estudiar lo básico para saber cómo funcionan y así puedes beneficiarte más de sus distintas cualidades en tu pintura. Hace un tiempo integré a mi paleta acuarelas hechas por mí desde la piedra, lo que me permite añadir un toque más orgánico y matérico a mi acuarela. 
Algunos de los colores que fabrico (Piedras y Agua). Todos de origen natural -OJO: el reino mineral, también es natural y puede ser tóxico. No confundamos natural con saludable o no tóxico.
Bueno, los colores que les quiero presentar hoy han ido llegando a mi vida de la mano de artistas, amigos y maestras que han compartido sus colores favoritos en nuestras conversaciones. La historia de cómo llegan los colores a nuestra vida también es algo valioso. 
1) Quinacrodine Red de Winsor&Newton: un rojo/rosado súper transparente y vibrante que descubrí con mi amigo John Pastoriza-Piñol. Hermoso para pétalos sedosos y brillantes. 

2) Perylene Green de Winsor&Newton: Verde frío, terroso que puede llegar casi al negro. Fantástico para lograr esos verdes oscuros y densos que el azul no consigue. Me lo presentó mi querida amiga Gülnur Eksi.

3) Green Gold, de Winsor&Newton: un verde-amarillo-dorado, como dice su nombre. Mézclalo con Indigo y wow, tienes a los padres del Sap Green, que no vas a usar nunca más. También lo conocí gracias a Gülnur.

4) Aureolin Yellow de Winsor&Newton: Amarillo frío, denso y cubriente. Excelente para flores amarillas que no son muy anaranjadas ni muy «amarillo pato». Lo conocí gracias a la maestra Louise Olley.

5) Mountain Blue de Schminke Horadam: un azul frío, parecido al cerúleo pero no tan «cerúleo». Pruébalo con rosados chicle para lograr unos violetas espectaculares. Lo conocí con Alicia, una profesora del Royal Botanic Garden Edinburgh y no puedo acordarme de su apellido!!!

6) Ultramarine Violet de Da Vinci: un violeta transparente y necesario para lograr lindas sombras en modelos amarillos. Éste, simplemente lo compré.

7) Winsor Blue – Green Shade de Winsor&Newton: Un azul bellísimo, de la familia de los Pthalos, frío y genial para los verdes intensos y «tropicales». Lo conocí gracias a la maestra Sarah Roche, una de las grandes pintoras de flores blancas.

Pronto les iré contando sobre otros colores que uso. Obviamente tengo mis regalones. Lo más importante, es que me mantengo fiel a usar no más de 5 colores en una pintura. ¡Menos es más!

Conociendo nuevas acuarelas: QOR.

Ayer fui invitada por mis amigos de Plop! Galería y Color Animal a un taller donde nos mostraron productos nuevos de la marca de pinturas Golden (USA). Lo que más me interesó era conocer las acuarelas QOR, que aunque ya llevan varios meses en venta nunca había probado, ni tampoco tenía referencias de nadie que las estuviera usando.
Les doy las gracias a Gisella Trucco y Paul (artista Golden) que fueron muy amables y nos contaron de qué se trataban estas acuarelas y unos acrílicos llamados High Flow bien choros pero que, como no uso, no puse mucha atención.

Como ustedes saben, uso solamente acuarelas de calidad Artista o Profesional y tengo mis marcas favoritas (además colores favoritos en cada una), la mayoría tradicionales en su formulación (con la receta antigua de goma arábica):

1) Winsor & Newton
2) Daniel Smith
3) Old Holland
5) Schminke

QOR tiene una característica interesante, pues ellos usan un aglutinante sintético que es similar a la goma arábica pero tiene la gracia de que es 100% transparente (la goma es levemente como miel más amarilla) y que además puede cargar altas cantidades de pigmento, supuestamente 4 veces más que la goma natural. Esto hace que los colores sean muy muy saturados y que con un poquito puedas pintar una gran superficie y alcanzar una gama tonal más amplia.

Los estuve probando con algunas técnicas de las que uso comúnmente y se ven muy bien, también son agradables al pintar. No usé mi papel de siempre pero probé en un Arches Cold Press y en un Hahnemülle Bamboo que es bien rico, pero no lo suficientemente liso para ilustración científica. Puede usarse para todo lo demás, obviamente 🙂

Lo no tan bueno es que cada tubo de 11ml cuesta sobre $10.000, o sea son una mega inversión. Pero, supuestamente deberían durar más por la alta concentración de pintura. Mis pruebas no dieron como para saber eso, así que hoy fui y me compré dos colores que en general uso mucho y que ayer probé, Indigo y Green Gold. Ambos anduvieron muy bien y el color es muy lindo, y es verdad que cuando secan quedan iguales.

Bueno, esa fue mi experiencia con esta nueva marca, ya les iré contando más cuando los conozca mejor. Y ojo: esto no es un infomercial! Lo hago porque me gusta escribir lo que hago y compartirlo con ustedes.

¡Suerte con las pinturas!

Herbario de Orquídeas en Plop! Galería.

El pasado sábado 12 de noviembre inauguramos en la conocida Plop! Galería una exposición colectiva dedicada a la ilustración de plantas. «Naturaleza Ilustrada» reúne a seis artistas+ilustradores que nos dedicamos a este tema, desde diversos puntos de vista. La expo estará abierta hasta fines del mes de diciembre.

La obra que presento en esta ocasión, es un conjunto de 4 trabajos realizados durante mi Residencia en el Herbario Nacional (MNHN), a principios de este año.

Primera página del Diario de mi Residencia: Placea sp.


El herbario es una herramienta propia de la investigación botánica, que tuvo su apogeo en la era de la Inglaterra Victoriana. En esos tiempos, la práctica de herborizar se hizo muy masiva y fue un gran vehículo para la popularización de la botánica. Personas comunes y corrientes construyeron riquísimos Herbarios llenos de especímenes colectados en jardines, senderos, bosques y lugares remotos. Muchos de ellos hoy forman parte de las colecciones de jardines botánicos del mundo y además se transan como obras de arte en casas de remate de antigüedades. Hay un misterio en la estética del herbario que no podemos negar: la planta detenida en el tiempo, muchas veces bellamente dispuesta en la página, con sus colores desteñidos, tan distintos a los de las plantas vivas. Estos especímenes forman un universo muy interesante, lleno de anécdotas de viajes, tráfico ilegal de especies, descubrimientos fortuitos, luchas contra insectos voraces, colecciones románticas, y mucho más.
En este período de observación, me interesé particularmente por algunas algas y sobre todo por las orquídeas de nuestro país, pues algunas de ellas constituyen hermosos ejemplares con sus especiales venas negras y colores cobrizos y nacarados.
Primera orquídea de la serie: Chloraea nudilabia.

De esta manera, he realizado hasta ahora 4 obras que muestran especímenes de esta colección. Son plantas que han perdido el volumen, totalmente prensadas y secas. No existe el verde, y todo parece una fina cáscara de cebolla a punto de romperse.
Las dos obras que vemos más arriba fueron pintadas pensando en una solución más sintética, que diera cuenta de lo plano de cada modelo. La que viene a continuación en cambio tiene todos los detalles y colores que pude observar.
Espero que puedan hacerse el tiempo de ir a ver «Naturaleza Ilustrada» a la galería Plop! y disfruten de los trabajos de todos los artistas, realmente vale la pena!

No tenerle miedo al Negro

En las escuelas de Arte (Universidades) al enseñar pintura, se suele poner al negro en un lugar poco amable y se les exige a los alumnos eliminarlo completamente de sus paletas. Al menos en mi caso fue así, y lo he escuchado varias veces de amigos pintores que recuerdan a sus profesores prohibir el uso de los pigmentos negros, como el Mars Black (el más antiguo de los negros) o el Lamp Black.
El argumento utilizado era que el negro era demasiado invasor y que tendía a ensuciar los colores y a aplanar las sombras, y además se asociaba con el negro de la tinta del cómic.
En mi clase, a cambio del negro el profesor nos enseñaba a mezclar «negros ópticos», que se obtenían mezclando Azul Ultramar y Tierra de Sombra Tostada, independiente de la paleta que se estuviera utilizando…que por lo demás, era muy reducida y sin un análisis de por medio.

En ilustración botánica, también está la idea de evitar el negro. Sin embargo, este pigmento sí puede ser una gran herramienta en ciertos casos si se usa complementando los negros ópticos, sin abusar de él.

Actualmente estoy trabajando con plantas de orquídeas chilenas del Herbario Nacional. Las hojas de las orquídeas, que mientras están vivas son de un color verde muy vibrante, se tornan negruzcas, rojizas y de un lindo color cobrizo al secarse adecuadamente. Además, muchas de las especies chilenas tienen los ápices y venas de sus pétalos teñidos de un intenso negro verdoso, que contrasta hermosamente con el blanco del fondo. Esto les da un aspecto gráfico y hasta un poco tenebroso.
En esta pintura, he utilizado sólo tres colores primarios, como suelo hacer: un rojo, un azul y un amarillo. Sin embargo, al momento de dar toques finales de contraste decidí usar negro en pequeñas cantidades, y es increíble cómo le da fuerza y nitidez al trabajo.
Como todos los pigmentos demasiado dominantes -por ejemplo Verde Viridian, Pthalo Blue, Opera Rose-, es necesario usarlo con cuidado, pues sí es cierto que en exceso ensuciará la atmósfera que se ha logrado con los otros colores y tiende a empobrecer las sombras, que también pueden tener una linda variedad de colores y tonos. 
Les recomiendo atreverse a usar el negro cuando lo consideren necesario, sobre todo cuando se trate de modelos de aspecto oscuro y duro, que necesitan de un alto contraste y sombra para verse naturales.

Se inaugura la temporada de Talleres Flash de Ilustración Naturalista

La primavera llega cargada de cosas lindas para dibujar y pintar, nos vienen las ganas de salir y recorrer playas, campo, cerros, bosques, parques y plazas.

Por eso, he diseñado una nueva modalidad de Talleres Flash, es decir cortos e intensivos, donde podré entregarles herramientas efectivas y entretenidas para pintar en la casa o en cualquier lugar que visiten, incluso al aire libre.
Los Talleres Flash duran 6 horas en total, y están divididos en dos sesiones de 3 horas cada una. El lugar es en la nueva sala de clases «El Colegio» que estamos inaugurando con mi marido en nuestra casa, en la comuna de La Reina. Esta sala tiene una capacidad para 6 alumnos muy cómodos, con muy buena luz, acceso a nuestro lindo jardín y un sistema de clases súper personalizado, con todo mi material bibliográfico disponible para ustedes, proyector e incluso quienes lo deseen podrán comprar sus packs de materiales directamente aquí, sin necesidad de ir a la librería antes de empezar las clases.
El primer Taller Flash de la temporada 2016/17 es «Sólo Flores!». Como su nombre lo dice, dibujaremos y pintaremos flores de diferentes tipos.
Fecha: miércoles 31 de agosto y miércoles 7 de septiembre.
Horarios:
Grupo 1: 10:00 am a 13:00 pm
Grupo 2: 15:00 pm a 18:00 pm
Valor: 

$70.000 por persona. Para reservar el cupo debes transferir el 50% del costo antes del inicio de clases.
Valor Pack Materiales: $20.000 (incluye paleta con 6 colores de acuarela, 3 pinceles, papel de dibujo, lápiz grafito HB y 2B, goma de borrar, sacapuntas, 4 papeles acuarela tamaño carta, regla metálica 15 cm).
Cupos: 6
El segundo Taller Flash es «Miniaturas en la Arena», donde exploraremos pequeños moluscos, crustáceos y otros objetos que encontramos normalmente al caminar por nuestras playas. A través de la observación de estas pequeñas estructuras entrenaremos nuestra precisión al dibujar y aprenderemos a realizar efectos especiales en pintura, como el nacarado o concha de perla.
Fecha: miércoles 28 de septiembre y miércoles 5 de octubre.
Horarios:
Grupo 1: 10:00 am a 13:00 pm
Grupo 2: 15:00 pm a 18:00 pm
Valor: 

$70.000 por persona. Para reservar el cupo debes transferir el 50% del costo antes del inicio de clases.
Valor Pack Materiales: $20.000 (incluye paleta con 6 colores de acuarela, 3 pinceles, papel de dibujo, lápiz grafito HB y 2B, goma de borrar, sacapuntas, 4 papeles acuarela tamaño carta, regla metálica 15 cm).
Cupos: 6
Para inscripciones y consultas, escríbeme a geraldine.mac@gmail.com

Los espero!!!

Volver a las bases.

Para poder seguir aprendiendo cada cierto tiempo, hay que estudiarlo todo de nuevo.

Mini ruedas de color – 2015

¿Tubo o pastillas?

Muchas veces me han preguntado qué es mejor para pintar, si las pastillas de acuarela o los tubos.
Tengo buenas noticias: ambos son geniales.
Simplemente se trata de dos formas de presentación de un mismo producto. Las pastillas vienen de los primeros tiempos de la acuarela, cuando la marca inglesa Reeves introdujo las primeras cajas de acuarelas portátiles en 1776. Sabemos que en tiempos de la Reina Victoria, las damas de buena familia recibían clases de acuarela y era el hobby preferido. Por eso está lleno de historias de señoritas que salían a pintar a la campiña, igual que ahora 😉

De hecho, podemos ver cómo era el bolso de acuarelas de la mismísima Reina Victoria:
Bolso de acuarelas de la Reina Victoria.
Con los avances tecnológicos y la invención del tubo metálico que permitió almacenar los pigmentos preparados llegar y usar, óleos y acuarelas pudieron venderse listos. 
O sea, la calidad de ambos (tubo v/s pastilla) en una misma línea de colores debiera ser igual, pues es el mismo producto presentado de dos maneras.
En lo personal, generalmente prefiero comprar tubos pues viene más cantidad de pintura y además sirven para rellenar paletas con los colores que prefiero para trabajar. Así tengo varias paletas para distintos objetivos, aunque usualmente es una mi favorita, con varios colores primarios y algunos complementarios. 
La típica paleta plástica china es súper portátil y no falla, además es barata. La más barata está en la Librería Nacional, a un poco más de dos mil pesos.
Las pastillas por otro lado tienen la ventaja de que se ponen en paletas metálicas especiales y se pueden intercambiar y por supuesto rellenar cuando se acaban. En Chile lamentablemente no venden pocillos vacíos, pero a medida que uno va comprando, va juntando. Lo bueno es que se pueden guardar en cualquier caja o lata y si hay colores que quieres probar o no están en tubo, la pastilla siempre es una súper opción. Como les decía, la calidad debiera ser igual dentro de una misma marca.
Lo más importante es, independiente de la marca que elijan para trabajar, que los colores sean de calidad Artista y no Estudiante. Eso sí hace una enorme diferencia.
En mi caso, tengo Síndrome de Diógenes con las acuarelas y siempre estoy buscando alternativas para probar. 
Mis marcas favoritas para trabajar son: Winsor & Newton Artist’s Watercolours, Daniel Smith Extra Fine Watercolor, Old Holland Watercolours y Schminke Horadam Watercolour.

Mis pastillas, acabo de rellenarlas hoy. Los tubos deben quedar bien cerrados y ojalá dentro de una caja plástica sellada para que no se vayan a secar. 

Un curso diferente!

Hola a todos!

Estoy feliz de anunciar este nuevo curso de Ilustración Botánica que dictaré en el mes de noviembre en la Estación Biológica de la Fundación Senda Darwin en Chiloé.
Se trata de una semana estudiando ilustración botánica con las especies del bosque templado chileno como modelos. Estaremos con la profesora Javiera Díaz, quien nos enseñará botánica y un gran equipo organizador.
El valor del curso incluye la estadía (en la Estación Biológica) y la alimentación.

El correo electrónico para contactarnos, recibir el programa y postular es

Les recomiendo postular pronto!!!